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PuroJazz

Roberto Barahona

¡Bienvenidos a Puro Jazz! Podcast del programa PuroJazz que dirige y presenta Roberto Barahona para Radio Beethoven de Santiago de Chile El programa Puro Jazz se ha trasladado a Substack.com, una plataforma que nos permitirá ofrecer una experiencia más completa e interactiva. El acceso sigue siendo el mismo: puedes ingresar como siempre a través de purojazz.com, donde encontrarás los nuevos contenidos y enlaces actualizados. En Substack contaremos con herramientas mejoradas para comunicación, suscripción y contacto, lo que facilitará aún más el acceso a las transmisiones, lecturas y novedades de Puro Jazz. Para quienes nos seguían en Facebook o Instagram, esta nueva plataforma permitirá continuar ese valioso intercambio de ideas, experiencias e incluso imágenes en un solo lugar. Y para los que simplemente disfrutan de la música, pueden estar tranquilos: nada cambiará. La esencia y el espíritu de Puro Jazz seguirán siendo los mismos.

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  • 50 episodes
  • Avg 58 min
  • Spanish
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  • Saturday · 1 hr 1 min

    Puro Jazz 18 de septiembre, 2026

    Esta semana, la Embajada de Chile en Estados Unidos presenta la cuarta edición del “Chilean Jazz Series”, con actuaciones de músicos chilenos en Blues Alley, emblemático club de jazz de Washington D. C. La iniciativa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile y busca promover internacionalmente la cultura y la creación artística del país. BRIAN URRA – “CHILEAN JAZZ SERIES” “Blues Alley”, Washington D. C., 16 de septiembre de 2026 Repertorio: Altiplano, Te abrazo abuelita, Mi pequeño, Prelude, Se te quedaron tus plantitas, The Infinity” y “Blanca”. Músicos: Brian Urra, violín y composiciones; José Soto, piano; Sebastián Fuentes, guitarra eléctrica; Ben Fig, batería; y Louis Stringer, bajo. Brian Urra es un violinista, compositor y arreglista chileno cuya trayectoria reúne jazz, música clásica, improvisación, lenguajes contemporáneos y tradiciones irlandesas. Con más de 27 años de experiencia como intérprete y educador, se ha presentado en escenarios como Carnegie Hall, Lincoln Center, Dizzy’s Jazz Club, Newport Folk Festival y Boston Symphony Hall. Completó con distinción una maestría en el Berklee Global Jazz Institute, donde profundizó su trabajo junto a figuras como Danilo Pérez y John Patitucci. También ha estudiado composición con músicos como Billy Childs y Kris Davis. En 2023 recibió el premio de composición Ravinia Bridges, reconocimiento que le permitió trabajar durante una semana con Childs, Rufus Reid y Steve Wilson. En Blues Alley presentó música de “Blanca”, su próximo álbum de composiciones originales. El proyecto está inspirado en los afectos y la memoria familiar, el amor y el paso del tiempo, y tiene como eje narrativo la historia de su abuela. Su propuesta combina la expresividad del violín con una escritura de carácter íntimo, en la que la experiencia personal se transforma en relato musical. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • Friday · 1 hr 1 min

    Puro Jazz 18 de septiembre, 2026

    Durante las Fiestas Patrias, la Embajada de Chile en Estados Unidos presentó la cuarta edición de la “Chilean Jazz Series”, iniciativa destinada a promover el talento nacional y fortalecer la presencia del jazz chileno en el ámbito internacional. El ciclo, realizado en el histórico club Blues Alley de Washington D.C., contó con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile, como parte de sus esfuerzos por difundir la cultura y la creación artística del país. MARIO WELLMANN TRÍO “Chilean Jazz Series” Blues Alley, Washington D.C. — 15 de septiembre de 2026 Programa: “Let’s Cool One” (Thelonious Monk), “Bass Interlude” (Guillermo López), “Osorno” (Mario Wellmann), “If You Never Come to Me” (Antonio Carlos Jobim), “Saltos del Laja” (Mario Wellmann), “Drum Set Interlude” (Daniel Dufour), “Panguipulli” (Mario Wellmann), “Isfahan” (Duke Ellington y Billy Strayhorn), “Consolidation” (Mario Wellmann) y “Yardbird Suite” (Charlie Parker). Músicos: Mario Wellmann, guitarra; Guillermo López, bajo; y Daniel Dufour, batería. Mario Wellmann es un guitarrista, compositor e investigador chileno radicado entre Nueva York y Austin. Su propuesta vincula la tradición del jazz con sonoridades contemporáneas y elementos rítmicos y melódicos procedentes de Chile y América Latina. En su música destacan el lirismo, el sentido narrativo y una concepción moderna de las posibilidades de la guitarra. A lo largo de su trayectoria se ha presentado en Estados Unidos, Sudamérica y Europa, y ha compartido escenario con artistas como Kurt Elling, Sinne Eeg y Allison Wedding. En 2022 recibió dos DownBeat Student Music Awards, uno de ellos junto a The West Mulberry Trio, conjunto que codirige. En este concierto presenta música de “Ecos del Sur”, su primer álbum como líder, cuya publicación está prevista para fines de 2026. El proyecto, apoyado por el Fondo de la Música de Chile, fue grabado en Nueva York con el ingeniero y productor Joseph Branciforte. En él confluyen su formación jazzística, su identidad cultural y una mirada compositiva personal. Wellmann es graduado en Jazz Studies por la University of North Texas. También posee formación en Fonoaudiología y una maestría en Neurociencia, y actualmente cursa estudios doctorales en música en Columbia University. La convergencia entre creación artística e investigación académica aporta una dimensión singular a su trabajo dentro del jazz chileno contemporáneo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • Friday · 1 hr

    Puro Jazz 17 de septiembre, 2026

    Durante las Fiestas Patrias, la Embajada de Chile en Estados Unidos, presentó su cuarta edición del Chilean Jazz Series con actuaciones de músicos chilenos en el club Blues Alley, un escenario emblemático de Washington D.C. El programa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile, que busca impulsar la difusión internacional de la cultura y la creación artística chilenas. MARIO WELLMANN TRÍO “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 15 September, 2026 - Let’s Cool One (Monk), Bass Interlude (Lopez), Osorno (Wellmann), If You Never Come To Me (Jobim), Saltos Del Laja (Wellmann), Drum Set Interlude (Dufour), Panguipulli (Wellmann), Isfahan (Ellington and Straihorn), Consolidation (Wellmann), Yardbird Suite (Parker) - Mario Wellmann (Guitarra) Guillermo López (Bajo) y Daniel Dufour (Batería) Mario Wellmann es un guitarrista, compositor e investigador chileno radicado entre Nueva York y Austin. Su propuesta reúne la tradición del jazz con sonoridades contemporáneas y elementos rítmicos y melódicos procedentes de Chile y América Latina. En su música destacan el lirismo, el sentido narrativo y una concepción moderna de las texturas de la guitarra. A lo largo de su trayectoria se ha presentado en Estados Unidos, Sudamérica y Europa, y ha compartido escenario con figuras como Kurt Elling, Sinne Eeg y Allison Wedding. En 2022 recibió dos “DownBeat Student Music Awards”, uno de ellos junto a The West Mulberry Trio, conjunto que codirige. En esta presentación ofrecerá música de “Ecos del Sur”, su primer álbum como líder, cuya publicación está prevista para fines de 2026. El proyecto, apoyado por el Fondo de la Música de Chile, fue grabado en Nueva York con el ingeniero y productor Joseph Branciforte, y busca expresar una mirada personal en la que convergen su formación jazzística y su identidad cultural. Wellmann es graduado en Jazz Studies por la University of North Texas y posee, además, estudios en Fonoaudiología y una maestría en Neurociencia. Actualmente desarrolla estudios doctorales en música en Columbia University. Esta combinación de creación artística e investigación académica aporta una dimensión singular a su trabajo dentro del jazz chileno contemporáneo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • Friday · 1 hr 2 min

    Puro Jazz 16 de septiembre, 2026

    CLAUDIO RUBIO QUINTETO “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 14 September, 2026 - La familia, Sala de espera, La memoria de los trenes, Descansa en paz, Un día más (Tengo todo preparado), Ella lleva el fuego (El fin del camino) - Claudio Rubio, saxo tenor; que incluye a Yago Vázquez, piano; Cristóbal Menares, guitarra eléctrica; Pablo Menares, contrabajo; y Rodrigo Recabarren, batería. Entre el 14 y el 20 de septiembre de 2026, la Embajada de Chile en Estados Unidos presentó en el club Blues Alley de Washington D.C. la cuarta edición de la “Chilean Jazz Series”, iniciativa destinada a promover el talento y la creación musical de Chile y fortalecer la presencia internacional del jazz nacional. El programa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile, como parte de sus esfuerzos por difundir internacionalmente la cultura y la creación artística chilenas. Buenos días, Roberto. Esta versión tiene mayor continuidad y evita que el Premio Pulsar aparezca como una frase aislada: Claudio Rubio es saxofonista, compositor, arreglista y educador chileno, y una de las voces más reconocibles del jazz nacional contemporáneo. Tras iniciar su formación en Chile, cursó estudios de jazz en William Paterson University, en Estados Unidos, donde tuvo como maestros a destacados músicos como Rich Perry, Jim McNeely y Dave Liebman. A lo largo de su carrera ha colaborado con figuras y proyectos fundamentales de la escena chilena, entre ellos Cristián Gálvez, Camila Meza, Nicolás Vera, Francesca Ancarola y Ensamble Quintessence. Su actividad artística lo ha llevado, además, a presentarse en escenarios de Europa, Asia y América. Como líder ha desarrollado una obra marcada por la búsqueda de un lenguaje propio, plasmada en los álbumes Tristano!(2011), Hijo (2017), Música para ascensores (2019) y Ella lleva el fuego (2025). Este último trabajo, dedicado a su madre, combina la tradición jazzística con la composición contemporánea y una concepción abierta de la improvisación. El álbum recibió el Premio Pulsar 2026 en la categoría Mejor Artista Jazz, reconocimiento que confirmó el lugar destacado que Rubio ocupa en la música chilena actual. Por su labor como intérprete, compositor y formador de nuevas generaciones, Claudio Rubio representa un importante vínculo entre la tradición y las expresiones más recientes del jazz chileno. Con su quinteto, fue el encargado de abrir la semana dedicada a Chile en el histórico club Blues Alley de Washington D.C. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • Friday · 1 hr

    Puro Jazz 17 de september, 2026

    Esta semana la Embajada de Chile en Estados Unidos está presentando su cuarta edición del Chilean Jazz Series con presentaciones de músicos chilenos en el club Blues Alley, un escenario emblemático de Washington D.C. El programa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile, que busca impulsar la difusión internacional de la cultura y la creación artística chilenas. MARIO WELLMANN TRÍO “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 15 September, 2026 - Let’s Cool One (Monk), Bass Interlude (Lopez), Osorno (Wellmann), If You Never Come To Me (Jobim), Saltos Del Laja (Wellmann), Drum Set Interlude (Dufour), Panguipulli (Wellmann), Isfahan (Ellington and Straihorn), Consolidation (Wellmann), Yardbird Suite (Parker) - Mario Wellmann (Guitarra) Guillermo López (Bajo) y Daniel Dufour (Batería) Mario Wellman es guitarrista y compositor de jazz chileno radicado entre Nueva York y Austin. Su música cruza el lenguaje del jazz contemporáneo con elementos rítmicos y melódicos de Chile y América Latina, privilegiando el lirismo, la narración y las texturas modernas de guitarra. Con su trio compuesto por Guillermo López (Bajo) y Daniel Dufour (Batería) se presentó en el Blues Alley el martes 15. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • Thursday · 1 hr 2 min

    Puro Jazz 16 de septiembre, 2026

    CLAUDIO RUBIO QUINTETO “CHILEAN JAZZ SERIES” Blues Alley, Washington, DC, 14 September, 2026 - La familia, Sala de espera, La memoria de los trenes, Descansa en paz, Un día más (Tengo todo preparado), Ella lleva el fuego (El fin del camino) - Claudio Rubio, saxo tenor; que incluye a Yago Vázquez, piano; Cristóbal Menares, guitarra eléctrica; Pablo Menares, contrabajo; y Rodrigo Recabarren, batería.Tengan muy buenas noches y sean bienvenidas, bienvenidos a esta sesión de “Puro Jazz”. Entre el 14 y el 20 de septiembre de 2026, la Embajada de Chile en Estados Unidos está presentando en el club Blues Alley de Washington D.C. la cuarta edición de la “Chilean Jazz Series”, iniciativa destinada a promover el talento y la creación musical de Chile y fortalecer la presencia internacional del jazz nacional. El programa cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile, como parte de sus esfuerzos por difundir internacionalmente la cultura y la creación artística chilenas. Claudio Rubio es saxofonista, compositor, arreglista y educador, una de las voces más reconocibles del jazz chileno contemporáneo. Obtuvo el Premio Pulsar 2026 en la categoría Mejor Artista Jazz. La semana chilena en el club Blues Alley la abrió Claudio y su quinteto que incluye a Yago Vázquez, piano; Cristóbal Menares, guitarra eléctrica; Pablo Menares, contrabajo; y Rodrigo Recabarren, batería. Primera parte. “La familia” “Sala de espera” “La memoria de los trenes” Segunda parte “Descansa en paz” “Un día más (Tengo todo preparado)” “Ella lleva el fuego (El fin del camino)” This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • Wednesday · 58 min

    Puro Jazz 15 de septiembre, 2026

    WALTER SMITH III TWIO, VOL. 2, 13 y 14 de enero de 2025, Brooklyn, Nueva York - I should Care, Fall, Isfahan - Walter Smith III (st) Joe Sanders (b) Kendrick Scott (dr) El saxofonista tenor Walter Smith III, tiene un sonido poderoso y un lenguaje que parte del post bop pero incorpora una mirada claramente contemporánea. En “Twio, Vol. 2” vuelve al formato que ya había explorado en “Twio”, de 2018: el trío de saxo, contrabajo y batería, sin piano. Esta vez lo acompañan Joe Sanders en contrabajo y Kendrick Scott en batería, dos músicos con quienes Smith mantiene una relación de muchos años. A ellos se suman dos invitados de lujo: Ron Carter, que participa en cinco de los diez temas, y Branford Marsalis, presente en dos. En el tema “Fall”, de Wayne Shorter, participa Ron Carter, quien había grabado la composición casi sesenta años antes con Miles Davis en “Nefertiti”. El trío ofrece una versión espaciosa y delicada que demuestra las posibilidades de este formato sin instrumento armónico. “Isfahan” es un dúo de Smith y Carter. BARRY HARRIS TRIO BREAKIN’ IT UP - Chicago, July 31, 1958 - All the things you are, Ornithology, Bluesy, Allen’s Alley [Wee] - Barry Harris (p) William Austin (b) Frank Gant (d) El pianista Barry Harris fue una de las figuras que mantuvieron vivo el lenguaje del bebop durante décadas. Nacido en Detroit, comenzó a tocar profesionalmente en los años cuarenta y se convirtió en una presencia importante de la escena local, tanto como músico como profesor. Fue pianista habitual del Blue Bird Inn, donde acompañó a muchos de los grandes jazzistas que pasaban por la ciudad. Su estilo estuvo profundamente ligado a Bud Powell, aunque también recibió la influencia de Thelonious Monk y, especialmente, de la música de Tadd Dameron. Para “Breakin’ It Up”, grabado en Chicago en 1958, su primer álbum como líder, Harris formó un trío con William Austin en contrabajo y Frank Gant en batería. El disco muestra a un pianista que ya había definido buena parte de su lenguaje. En su estilo, Harris evita adornos innecesarios y se concentra en la melodía, el ritmo y la improvisación. Su toque es ligero pero firme, y las líneas tienen la fluidez y claridad características del bebop. “Breakin’ It Up” es un excelente retrato del joven Barry Harris y del profundo vínculo que mantendría siempre con la tradición del bebop. STEVE TURRE SANYAS - LIVE “SMOKE JAZZ CLUB”, New York, c. 2023 - Sanyas, These foolish things - Nicholas Payton (tp) Steve Turre (tb) Ron Blake (saxes) Isaiah J. Thompson (p) Buster Williams (b) Lenny White (d) Steve Turre tenía poco más de veinte años cuando comenzó a hacerse conocer en el conjunto del trompetista Woody Shaw. En 1974 participó en “The Moontrane”, un disco fundamental de Shaw, que incluía “Sanyas”, una composición del propio Turre. Cincuenta años después, el trombonista vuelve a ese tema para abrir “Sanyas”, su primer disco en vivo como líder, grabado en el Smoke Jazz Club de Nueva York. Turre reunió para la ocasión una banda extraordinaria: Nicholas Payton en trompeta, Ron Blake en saxos, Isaiah J. Thompson en piano, Buster Williams en contrabajo y Lenny White en batería. Es un grupo con mucha experiencia, pero también con una energía que se siente desde los primeros minutos. El repertorio mezcla composiciones vinculadas a la historia de Turre. Turre se mantiene en el centro con su sonido fuerte y expresivo, sin necesidad de dominar la música. “Sanyas” mira hacia sus comienzos junto a Woody Shaw, pero suena como un disco hecho plenamente en el presente. Después de una trayectoria de mas de 5 décadas, “Sanyas” muestra a Steve Turre todavía profundamente ligado a sus raíces, pero tocando con la vitalidad y libertad de una banda plenamente contemporánea. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • Tuesday · 58 min

    Puro Jazz 14 de septiembre, 2026

    GREG ABATE IN THE MOMENT - c. 2025 - All or nothin’, Black Sea, In the moment - Greg Abate (as,ts,sop,fl) Bill O’Connell (p) Harvie S (b) Steve Johns (d) El saxofonista y flautista Greg Abate presenta en “In the Moment” composiciones de distintos períodos, algunos inspirados por recuerdos personales y familiares. Lo acompaña un cuarteto integrado por Bill O’Connell en piano, Harvie S en contrabajo y Steve Johns en batería. Varias temas nacieron durante la pandemia, entre ellas “All or Nothin’” y el tema que da título al álbum. Pero, pese a ese origen, la música está lejos de ser sombría. “In the Moment” muestra a Abate como un músico de sonido cálido y seguro, acompañado por un grupo que toca con naturalidad, experiencia y un fuerte sentido de conjunto. JOHN PATITUCCI TRIO IRMAOS DE FE - New York, September 8 & 9, 2016 - Samba do grande amor, Irmao de fe, Olha Maria, Sinha - Yotam Silberstein (g) John Patitucci (b,el-b) Rogerio Boccato (d,perc) El contrabajista John Patitucci junta al guitarrista Yotam Silberstein y al percusionista Rogério Boccato en “Irmãos de Fé”, un disco dedicado a la música brasileña, con composiciones de autores como Milton Nascimento, Antônio Carlos Jobim, Chico Buarque, Egberto Gismonti y João Bosco. Patitucci ha trabajado con Milton Nascimento, al igual que Boccato, y esa familiaridad se percibe en “Irmãos de Fé”, una de las dos composiciones de Nascimento incluidas en el álbum. En “Olha Maria”, de Jobim, Vinicius de Moraes y Chico Buarque, Patitucci interpreta la melodía con arco, acompañado por la guitarra de Silberstein y la sutil percusión de Boccato. Es una interpretación contenida, donde los tres músicos parecen escuchar tanto como tocar. El álbum concluye con “Sinhá”, de João Bosco y Chico Buarque, una composición que aborda la historia de la esclavitud en Brasil. A lo largo del disco, Patitucci, Silberstein y Boccato improvisan con libertad, pero sin imponerse sobre las canciones. Aquí, la técnica individual está siempre al servicio de la música. MATT WILSON QUARTET + JOHN MEDESKI GATHERING CALL - Maggie’s Farm, Pipersville, Bucks County, PA, January 29, 2013 - Get over, get off and get on, If I were a boy, Pumpkin’s delight - Kirk Knuffke (cnt) Jeff Lederer (sop,ts,cl) John Medeski (p) Chris Lightcap (b) Matt Wilson (d) El baterista Matt Wilson grabó “Gathering Call” con su cuarteto habitual y un invitado especial, el pianista John Medeski. Completan el grupo sus acompañantes habituales: Kirk Knuffke en corneta, Jeff Lederer en saxos y Chris Lightcap en contrabajo. Wilson aporta seis de las trece composiciones, pero una de las características más atractivas del disco es la variedad del repertorio. “Get Over, Get Off and Get On”, escrita por el pianista Hugh Lawson y grabada originalmente por Yusef Lateef a fines de los años sesenta, permite escuchar el lado más cercano al soul jazz del grupo y una destacada participación de Medeski. Duke Ellington aparece representado por dos piezas muy diferentes: “Main Stem”, procedente de su gran orquesta de comienzos de los años cuarenta, y la menos conocida “You Dirty Dog”, donde Lederer ocupa un lugar central con su saxo tenor. El grupo incluso transforma “If I Were a Boy”, popularizada por Beyoncé. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 12 · 58 min

    Puro Jazz 11 de septiembre, 2026

    NASHEET WAITS BETWEEN NOTHINGNESS AND INFINITY - Solignac, France, May, 2016 - Story line, Between nothingness and infinity, Unity - Darius Jones (ts) Aruan Ortiz (p) Mark Helias (b) Nasheet Waits (d) Nasheet Waits es uno de los bateristas más destacados de su generación y un músico que ha llevado el papel de la batería mucho más allá del acompañamiento tradicional. Waits creó el grupo Equality en 2007, inicialmente con el saxofonista Logan Richardson, el pianista Jason Moran y el contrabajista Tarus Mateen, estos dos últimos compañeros suyos en The Bandwagon, el trío de Moran. Con el tiempo, el proyecto fue cambiando de integrantes, pero mantuvo la misma idea: reunir músicos capaces de moverse libremente entre estructuras definidas y espacios abiertos a la improvisación. En “Between Nothingness and Infinity”, grabado en Francia en mayo de 2016, Waits aparece con una formación especialmente interesante: Darius Jones en saxo alto, Aruán Ortiz en piano y Mark Helias en contrabajo. La batería de Waits no se limita a sostener el ritmo. Comenta, provoca y modifica continuamente la dirección de la música. Hay una clara conexión con la tradición, pero también una voluntad de llevarla hacia otros terrenos. Esa combinación entre pasado y presente ha sido una constante en toda su trayectoria. SULLIVAN FORTNER SOUTHERN NIGHTS, New York, July, 2023 - Southern nights, 9 bar tune, Tres palabras, Organ grinder - Sullivan Fortner (p,org,comp) Tyrone Allen, II (b) Kayvon Gordon (d,bata d) En julio de 2023, el pianista Sullivan Fortner realizó una residencia de una semana en el Village Vanguard de Nueva York junto al contrabajista Peter Washington y el baterista Marcus Gilmore. Ambos habían trabajado anteriormente con Fortner, pero nunca habían tocado juntos. La conexión fue inmediata y, antes de terminar la semana, el pianista decidió llevar el trío al estudio. El sábado, antes de la actuación nocturna en el Vanguard, grabaron estas sesiones en Sear Sound, en Manhattan. El espíritu de Nueva Orleans, ciudad natal de Fortner, está muy presente desde “Southern Nights”, composición de Allen Toussaint. La interpretación conserva algo del carácter relajado del original, pero pronto Washington y Gilmore impulsan la música hacia un terreno más jazzístico, con un ritmo flexible y referencias al *second line* de Nueva Orleans. En el piano de Fortner también se reconoce una tradición que pasa por Professor Longhair, Dr. John y James Booker. El ambiente cambia con “I Love You”, de Cole Porter. Fortner comienza solo, explorando la melodía con armonías inesperadas, antes de la entrada del contrabajo y la batería. A partir de allí, el trío muestra la complicidad que había surgido durante aquellas noches en el Village Vanguard. IMMANUEL WILKINS THE 7TH HAND - New York, c. 2021 - Emanation, Fugitive ritual, Shadow - Elena Pinderhughes (fl) Immanuel Wilkins (as) Micah Thomas (p) Daryl Johns (b) Kweku Sumbry (d) + Farafina Kan Percussion Ensemble : Kweku Sumbry, Agyei Keita Edwards (djembe) Adrian Somerville, Jr. (sangban) Jamal Dickerson (doundunba) Yao Akoto (kenkeni) El saxofonista Immanuel Wilkins llamó la atención con “Omega”, su primer álbum como líder, publicado en 2020. Allí presentó también el cuarteto que mantiene en “The 7th Hand”: Micah Thomas en piano, Daryl Johns en contrabajo y Kweku Sumbry en batería. Wilkins, nacido en Filadelfia y establecido en Nueva York, concibió “The 7th Hand” como una suite de siete movimientos que se suceden a lo largo de casi una hora. Cada uno puede escucharse como una pieza independiente, pero existen ideas musicales que reaparecen y establecen una continuidad entre ellas. El título alude a una pregunta que Wilkins se planteó al escribir esta música: hasta dónde puede llegar un grupo cuando los músicos dejan de intentar controlar cada detalle y permiten que la improvisación determine el rumbo. “Emanation” muestra muy bien esa idea. Wilkins presenta el tema con una sonoridad firme y expresiva, pero muy pronto la música se convierte en una conversación entre los cuatro integrantes. El pianista Micah Thomas adquiere particular protagonismo, mientras contrabajo y batería modifican continuamente el movimiento de la pieza. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 11 · 58 min

    Puro Jazz 10 de septiembre, 2026

    CHRISTOPHER DAMMANN DEAD WORDS - Chicago, IL, June 24, 2025 - Montrose B, This is an unraveling - James Davis (tp,electronics) Jon Irabagon (stritch,effects) Jim Baker (p,synt) Christopher Dammann (b,comp) Mike Reed (d) El contrabajista y compositor Christopher Dammann, radicado en Chicago, tiene una discografía relativamente reducida como líder. En “Dead Words” presenta un quinteto notable, con Jon Irabagon en stritch -un instrumento de la familia del saxofón, popularizado por el multi-instrumentista Rahsaan Roland Kirk- James Davis en trompeta, Jim Baker en piano y sintetizador, y Mike Reed en batería. El repertorio incluye cinco “spirituals” que Dammann transforma y utiliza como punto de partida para la improvisación. “Montrose B” abre el disco con un lenguaje cercano al post bop. Después de una introducción del contrabajo, Irabagon y Davis presentan el tema y se suceden los solos, sostenidos por una sección rítmica flexible y muy activa. Irabagon aporta su sonido incisivo, mientras Baker y Davis ofrecen intervenciones más contenidas. El grupo se desplaza hacia terrenos más libres en “Untitled” y “Two Themes for Improvisation”. Allí cobra especial importancia el sintetizador ARP 2600 de Baker, que introduce sonidos electrónicos y texturas abstractas, mientras Dammann utiliza también el arco y Reed responde con gran atención a los cambios de dirección. “White Gladis”, inspirada por el contrabajista Paul Chambers, recupera un carácter más melódico y cercano al blues. “Dead Words” encuentra así un atractivo equilibrio entre composición e improvisación, entre el jazz de tradición post-bop y la larga historia experimental de Chicago. GARRY DIAL TRIO NEVER IS NOW - New York, December 3 4, 1984 & August 10 11, 1986 - I dig your do, The place for you is here, Patience, Never is now - Garry Dial (p) Jay Anderson (b) Joey Baron (d) El pianista Garry Dial comenzó a destacarse a fines de los años setenta como integrante del quinteto de Red Rodney e Ira Sullivan, un grupo que buscaba ampliar el lenguaje del bebop incorporando nuevas composiciones y formas más abiertas. Dial había estudiado en Berklee y, anteriormente, recibido importantes lecciones de Mary Lou Williams. Ya instalado en Nueva York, Dial trabajó con la familia de Duke Ellington revisando y grabando su archivo, antes de iniciar su asociación con Rodney y Sullivan. Never Is Now fue grabado durante ese período, aunque permaneció inédito hasta su publicación en 1991. Junto a Dial aparecen dos músicos que tendrían carreras muy destacadas: Jay Anderson en contrabajo y Joey Baron en batería. El repertorio está formado casi enteramente por composiciones de Dial —doce en total— más “Around the Block with Willy”, de Anderson. Es una buena muestra del pianista en una etapa relativamente temprana de su carrera. La música conserva una clara relación con el jazz moderno y el swing, pero evita caminos demasiado previsibles, tanto en las composiciones como en la interacción del trío. La grabación anticipa además algunos rasgos que Dial desarrollaría posteriormente junto al saxofonista Dick Oatts en “Dial & Oatts”: con sus composiciones elaborada y una libertad rítmica. OSSIE JOHNSON OSIE’S OASIS New York, February 1955: - Osie’s oasis (1), Cokernut tree - Abdul Salaam (tp) [ William “Chieftie” Scott (tp) ] Thad Jones (tp) Henry Coker (tb) Ernie Wilkins (as) Frank Wess (ts,fl) Charlie Fowlkes (bar) Wendell Marshall (b) Osie Johnson (d) - Catwalk - Thad Jones (tp) Bill Hughes (tb) Frank Wess (ts,fl) Dick Katz (p) Milt Hinton (b) Osie Johnson (d,vcl) - Blues for the camels - Benny Powell (tb) Frank Wess (ts,fl) Dick Katz (p) Eddie Jones (b) Osie Johnson (d) El baterista Osie Johnson participó en innumerables grabaciones durante los años cincuenta y sesenta, pero muy pocas veces tuvo la oportunidad de entrar al estudio como líder. “Osie’s Oasis” reúne dos sesiones realizadas en febrero de 1955 para el sello Period, cuando Johnson formaba parte de la orquesta de Count Basie. Buena parte de los músicos provenía precisamente de esa formación. Están Thad Jones en trompeta y Frank Wess en saxo tenor y flauta, pero uno de los atractivos del disco es escuchar con mayor espacio a instrumentistas que dentro de la gran orquesta tenían menos oportunidades como solistas. Entre ellos aparecen los saxofonistas Charlie Fowlkes y Ernie Wilkins y los trombonistas Henry Coker y Bill Hughes. El pianista Dick Katz es uno de los pocos músicos que no pertenecían entonces a la banda de Basie. Johnson compuso y arregló buena parte del repertorio y, aunque dirige la sesión desde la batería, reserva para sus compañeros la mayor parte de los solos. **Incluso canta en su composición “Don’t Bug Me, Hug Me”. “Osie’s Oasis” conserva mucho del espíritu de Basie: swing, precisión y una aparente facilidad para hacer que todo fluya. Pero en un conjunto más pequeño permite apreciar individualmente a músicos que habitualmente escuchamos formando parte de una de las grandes orquestas del jazz. This is a public episode. 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  • September 10 · 58 min

    Puro Jazz 09 de septiembre, 2026

    SARAH HANAHAN AMONG GIANTS - New York, June 8 & 9, 2023 - Resonance, On the trail - Sarah Hanahan (as) Marc Cary (p) Nat Reeves (b) Jeff “Tain” Watts (d) Bobby Allende (perc1) Sarah Hanahan, la saxofonista alto y compositora, pertenece a una nueva generación de músicos estrechamente vinculados con la tradición del bebop. Aunque inicialmente se acercó a la música a través de la batería —instrumento que tocaba su padre—, lleva casi dos décadas dedicada al saxofón. Un momento decisivo llegó alrededor de los 16 años, cuando descubrió la música de Jackie McLean. Utilizando un libro de transcripciones de sus solos, aprendió nota por nota el de “Bird Lives”. Ese interés tendría consecuencias importantes: años después ingresó al Jackie McLean Institute of Jazz de la Hartt School of Music, en Connecticut, donde estudió dentro de la tradición que había despertado su vocación. Su álbum debut, Among Giants, refleja claramente esa formación. Hanahan se presenta acompañada por tres músicos de enorme experiencia: Marc Cary en piano, Nat Reeves en contrabajo y Jeff “Tain” Watts en batería. Más que simples acompañantes, forman un poderoso trío rítmico frente al cual la joven saxofonista debe afirmar su propia personalidad. Ese equilibrio entre tradición y búsqueda personal es precisamente el centro del disco. Hanahan reconoce abiertamente su deuda con el bebop y con sus maestros, pero no pretende reproducir el pasado. Among Giants plantea más bien una continuidad: aprender ese lenguaje, hacerlo propio y encontrar desde allí una voz que pueda aportar algo nuevo. LINDA MAY HAN OH/MELISSA ALDANA BENEATH LIFTED SKIES - Acton, MA, February 4 & 5, 2026 - Duke Ellington’s sound of love, The sorcerer, Dance cadaverous, I’ll be seeing you, Shoulder to shoulder - Melissa Aldana (ts) Linda May Han Oh (b) La contrabajista Linda May Han Oh y la saxofonista tenor Melissa Aldana se reúnen en Beneath Lifted Skies, un álbum en dúo publicado en agosto de 2026. Es un formato exigente: sin piano ni batería, las dos deben encargarse prácticamente de todo —melodía, armonía, ritmo y, sobre todo, del diálogo que mantiene viva la música. El repertorio incluye principalmente estándares y temas vinculados al bebop, junto con algunas composiciones originales e improvisaciones. Pero Oh y Aldana no utilizan ese material para recrear el jazz de otra época. Las melodías conocidas funcionan como puntos de partida que pueden conservarse, fragmentarse o abrirse hacia terrenos más libres. La combinación resulta especialmente atractiva por el contraste entre los instrumentos. El contrabajo de Han Oh puede establecer el pulso y sostener la armonía, pero también asumir un papel melódico y responder directamente al saxo. Aldana, por su parte, aprovecha el espacio disponible para desarrollar sus líneas sin las restricciones de una sección rítmica convencional. Ambas conocen profundamente la tradición del jazz, aunque llegaron a ella desde lugares muy distintos: Han Oh nació en Malasia y creció en Australia; Aldana nació en Santiago de Chile. Beneath Lifted Skies muestra cómo esa tradición puede servir no como un conjunto de reglas, sino como un lenguaje común desde el cual dos músicos pueden conversar con absoluta libertad. THE BILL HOLMAN BAND A VIEW FROM THE SIDE - Hollywood, CA, April 24 & 25, 1995 - I didn’t ask (1), Petaluma Lu (1), The peacocks - Carl Saunders, Frank Szabo, Ron Stout, Bob Summers (tp,flhrn) Jack Redmond, Andy Martin (tb) Bob Enevoldsen (vtb) Kenny Shroyer (btb) Lanny Morgan (as,fl) Bill Perkins (as,sop,fl) Pete Christlieb (ts,fl) Ray Herrmann (ts,sop) Bob Efford (bar,bcl) Rich Eames (p) Doug MacDonald (elg1) Dave Carpenter (b) Bob Leatherbarrow (d) Bill Holman (arr,ldr) Bill Holman fue uno de los grandes arreglistas del jazz moderno y una figura especialmente importante en la historia de las grandes orquestas de la Costa Oeste. Se dio a conocer durante los años cincuenta escribiendo para Stan Kenton, contribuyendo decisivamente a transformar el sonido de su orquesta. Aunque era también un excelente saxofonista tenor, desarrolló una personalidad inconfundible como compositor y arreglista. A lo largo de su carrera escribió para músicos y orquestas tan diferentes como Woody Herman, Count Basie, Gerry Mulligan, Maynard Ferguson y Buddy Rich. Durante los años sesenta trabajó intensamente en los estudios de Los Ángeles, pero nunca abandonó la escritura para big band. Su propia orquesta continuó ensayando regularmente y presentándose ocasionalmente en el área de Los Ángeles. Holman permaneció activo hasta poco antes de su muerte, en 2024. A View from the Side, grabado con su orquesta de mediados de los noventa, reúne a destacados músicos de la escena angelina. Los arreglos pueden ser densos y complejos, pero conservan siempre el impulso rítmico y el swing. Una característica fundamental de Holman es que sus piezas evolucionan continuamente: las ideas aparecen, se modifican y conducen a otras nuevas, en lugar de limitarse a repetir una estructura. Temas como “No Joy in Mudville”, con Pete Christlieb en saxo tenor y Bob Efford en clarinete bajo, muestran esa combinación de precisión, riqueza orquestal y energía que distingue la escritura de Bill Holman. Instalado durante décadas en Los Ángeles, Holman formó parte de una extraordinaria comunidad de músicos vinculados tanto al jazz como al trabajo de estudio, y mantuvo allí su propia big band hasta sus últimos años. Durante muchos años con cierta frecuencia se comentó que músicos establecidos en la Costa Oeste no habían recibido el reconocimiento que merecían, en parte por encontrarse alejados de Nueva York, supuesto centro de la actividad y la cultura jazzística. Quizás esa percepción tuvo alguna validez en determinados momentos, pero no describía lo que vi en julio del 2019 en el Kirk Douglas Theater aquí en Los Angeles. Holman subió al escenario frente a una sala llena para dirigir su excelente big band y escuchar en vivo sus arreglos. Grabé en video uno de los temas completos de aquella actuación, lo compartiré en rbarahona.substack.com. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 9 · 58 min

    Puro Jazz 08 de septiembre, 2026

    BENNY GOODMAN & PEGGY LEE A mediados de 1941, Benny Goodman incorporó a su orquesta a Peggy Lee, una cantante prácticamente desconocida. Tenía 21 años cuando reemplazó a Helen Forrest, cantante de tres de las grandes bandas más populares de la Era del Swing, además de Goodman, Artie Shaw y Harry James), ganándose así una reputación como “la voz de las bandas de nombre”. Lee no tenía una voz potente ni espectacular, pero justamente allí estaba su atractivo: cantaba con naturalidad, control y una intimidad poco habitual entre las vocalistas de las grandes bandas. Las grabaciones de noviembre y diciembre de 1941 muestran cómo esa personalidad comienza a definirse. Goodman le ofrece un marco particularmente favorable, con una excelente orquesta y sus excelentes arreglos. En “Somebody Else Is Taking My Place”, “How Long Has This Been Going On?” o “Not Mine”, su fraseo es relajado, las palabras parecen surgir de una conversación y, aun frente a toda una big band, conserva una notable sensación de cercanía. La sesión del 24 de diciembre resulta especialmente interesante porque reduce el conjunto y deja todavía más espacio a la cantante. En “Blues in the Night”, “Where or When” y “On the Sunny Side of the Street”, la voz puede integrarse a un ambiente más íntimo, casi de pequeño grupo. Peggy Lee permanecería con Goodman hasta 1943. Fue una etapa relativamente breve, pero decisiva: fue cuando comenzó a desarrollarse la cantante sutil, económica y extraordinariamente personal que pronto se convertiría en una de las voces más reconocibles de la música popular estado-unidense. BENNY GOODMAN BAND W/ PEGGY LEE - Benny Goodman And His Orchestra / sextet - New York, November 13, 1941 - Somebody else is taking my place (pl vcl,mp arr) - Billy Butterfield, Jimmy Maxwell, Al “Slim” Davis (tp) Lou McGarity, Cutty Cutshall (tb) Benny Goodman (cl) Julie Schwartz, Clint Neagley (as) Vido Musso, George Berg (ts) Chuck Gentry (bar) Mel Powell (p,arr) Tom Morgan (g) Sid Weiss (b) Ralph Collier (d) Peggy Lee (vcl) - New York, November 27, 1941 - Winter weather, Ev’rything I love, Not mine - Joe Ferrante o Bernie Privin (tp) Sol Kane (as) replace Billy Butterfield, Julie Schwartz, Art Lund (vcl) added, [aka Art London (vcl) - New York, December 24, 1941 - Blues in the night (pl,lm vcl,1), On the sunny side of the street (pl vcl) - Benny Goodman (cl) Lou McGarity (tb,vcl) Cutty Cutshall (tb-1) Mel Powell (p,celeste-2) Tom Morgan (g) Sid Weiss (b) Ralph Collier (d) Peggy Lee (vcl) GENE KRUPA EN HOLLYWOOD, 1946 El baterista y director de orquesta Gene Krupa, había alcanzado enorme popularidad como baterista de Benny Goodman antes de formar su propia orquesta. Su espectacularidad seguía siendo parte importante de su personalidad, pero estas grabaciones permiten escuchar algo más: un director atento a los nuevos sonidos que comenzaban a abrirse paso dentro de las grandes bandas. En 1946 llevó su orquesta a los estudios de Capitol en Hollywood para una serie de grabaciones que muestran a una big band en plena transición. Krupa seguía siendo una de las grandes figuras surgidas de la era del swing, pero su orquesta ya comenzaba a incorporar algunos de los cambios que estaban transformando al jazz de posguerra. La banda tenía excelentes solistas. Charlie Ventura ocupaba uno de los puestos de saxo tenor, mientras el joven Red Rodney formaba parte de la sección de trompetas. Junto a ellos aparece un nombre particularmente interesante: Gerry Mulligan, entonces con apenas 18 años, entre los arreglistas. Estas sesiones conservan el impulso y la claridad rítmica del swing, pero deja entrar armonías, arreglos y voces instrumentales más modernas. En 1946 la era de las grandes orquestas todavía estaba viva, aunque el jazz ya comenzaba a mirar en otra dirección. THE GENE KRUPA ORCHESTRA CAPITOL TRANSCRIPTION SESSION, Hollywood, CA, April 1,2, 1946 - I’ll never be the same, Lover, Some day soon, And then I looked at you (bs vcl), Porter stomp, Blue Lou - Red Rodney, Joe Triscari, Ray Triscari, Jimmy Milazzo (tp) Bob Ascher, Dick Taylor, Nick Gaglio, Tasso Harris (tb) Harry Terrill, Charlie Kennedy (as) Charlie Ventura, Buddy Wise (ts) Joe Koch (bar) Teddy Napoleon (p) Mike Triscari (g) Irving Lang (b) Gene Krupa, Joe Dale (d) Carolyn Grey, Buddy Stewart (vcl) Gerry Mulligan, George Williams, Eddie Finckel, Budd Johnson, Ray “Remo” Biondi (arr) WOODY HERMAN - FIRST HERD Entre 1936 y 1944, la orquesta de Woody Herman fue una banda difícil de encasillar. Conocida inicialmente como “The Band That Plays the Blues”, interpretaba también baladas, música de baile e instrumentales cercanos al dixieland. Esa variedad le daba amplitud, aunque al mismo tiempo impedía que desarrollara una identidad musical claramente definida. El cambio hacia la orquesta que sorprendería al mundo del jazz en 1945 —el célebre “First Herd”— fue gradual. Ya en 1941 algunas grabaciones mostraban una banda capaz de competir, en energía y swing, con las mejores orquestas de Benny Goodman, Artie Shaw o Charlie Barnet. La transformación se aceleró entre 1943 y 1944 con la llegada de músicos decisivos. El baterista Dave Tough fortaleció la sección rítmica; Bill Harris y Flip Phillips, trombón y saxo tenor, aportaron dos voces solistas de enorme personalidad, mientras los arreglos de Ralph Burns y Neal Hefti acercaron decididamente la banda al nuevo lenguaje del bebop. También fue fundamental el contrabajista Chubby Jackson, menos por su virtuosismo que por su extraordinaria energía y capacidad para impulsar al conjunto. “Apple Honey”, “Caldonia” y “Northwest Passage” muestran finalmente una orquesta con sonido propio: poderosa, moderna y extraordinariamente excitante. WOODY HERMAN AND HIS ORCHESTRA “THE THUNDERING HERDS” - New York, February. March & August 19, 1945 - Apple honey, Caldonia, Goosey gander, Northwest passage, Bijou - Sonny Berman, Charles Frankhauser, Ray Wetzel, Pete Candoli, Carl Warwick (tp) Ralph Pfeffner, Bill Harris, Ed Kiefer (tb) Woody Herman (cl,as,vcl) Sam Marowitz, John LaPorta (cl,as) Flip Phillips, Pete Mondello (ts) Skippy DeSair (bar) Marjorie Hyams (vibes) Ralph Burns (p,arr) Billy Bauer (g) Chubby Jackson (b) Dave Tough (d) Frances Wayne (vcl) Roger Segure, Jiggs Noble, Neal Hefti (arr) This is a public episode. 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  • September 8 · 59 min

    Puro Jazz 07 de septiembre, 2026

    La vida de Bud Powell es una de las historias sobresalientes y también más dolorosas del jazz. Su importancia no reside solamente en su virtuosismo: Powell estableció buena parte del lenguaje con que el bebop llegaría a tocarse en el piano. Nacido Earl Rudolph Powell en Harlem, en 1924, comenzó a estudiar piano clásico desde niño. Art Tatum fue una influencia temprana, pero la figura decisiva fue Thelonious Monk, quien lo alentó, lo acercó a los músicos que estaban desarrollando el bebop y más tarde escribió “In Walked Bud” en su honor. Powell transformó profundamente el papel del piano en el jazz moderno. Liberó la mano izquierda de los patrones regulares del stride, utilizándola de manera más selectiva para acordes y acentos rítmicos, mientras la derecha podía moverse con la velocidad y libertad melódica asociadas a Charlie Parker. Así demostró que el complejo lenguaje del bebop podía pertenecer al piano con la misma naturalidad que a los instrumentos de viento. BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA Su primera experiencia profesional importante llegó en 1943, con la orquesta de Cootie Williams. Dos años después, Powell fue golpeado por policías ferroviarios tras un incidente en Filadelfia. La relación exacta entre aquella agresión y sus posteriores problemas psiquiátricos sigue siendo incierta. Sorprendentemente, en medio de estas dificultades produjo parte de su mejor música. Su período más extraordinario se extiende aproximadamente entre 1947 y 1953. Es una grabación muy útil para mostrar a “Bud Powell antes de convertirse plenamente en la figura fundamental del piano bebop”. Su participación es relativamente discreta, pero la grabación tiene un importante valor histórico: permite escucharlo al comienzo de su carrera profesional, integrado a una orquesta popular, mientras en Nueva York comenzaba a tomar forma el nuevo lenguaje del bebop que muy pronto lo tendría como uno de sus protagonistas fundamentales. BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA “ECHOES OF HARLEM”, New York, January 4, 1944 - Floogie boo (cw,ecv vcl) - Cootie Williams (tp,vcl) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Eddie “Lockjaw” Davis (ts) Bud Powell (p) Norman Keenan (b) Sylvester “Vess” Payne (d) ------------------- THE BUD POWELL TRIO “Tempus Fugit” and “Celia,” son dos de muchas excelentes composiciones de Powell, estas se grabaron con Ray Brown y Max Roach en 1949. Lo que es notable de las sesiones del sello Clef, es que gran parte del enfoque único de Powell se expresa decisivamente en esas piezas; gran parte del piano moderno, tal como ha evolucionado en los últimos setenta y cinco años, proviene de ellas. Cada selección es magistral y de una manera diferente y da testimonio de la originalidad de Powell como compositor y pianista. En su economía y poder de late, así como en su impecable articulación, el “Tempus Fugit” de 155 segundos (también conocido como “Tempus Fuguit”) representa un punto de demarcación para el piano de jazz y para el jazz en sí. THE BUD POWELL TRIO New York, February 23, 1949 - Tempus Fugit, Celia - Bud Powell (p) Ray Brown (b) Max Roach (d) ----------------------- BUD POWELL’S MODERNISTS En agosto de 1949, Bud Powell reunió para Blue Note un quinteto extraordinario bajo el nombre de “Bud Powell’s Modernists”. Lo acompañan Fats Navarro en trompeta, un jovencísimo Sonny Rollins en saxo tenor, Tommy Potter en contrabajo y Roy Haynes en batería. De esas sesiones surgieron varias composiciones de Powell que se convertirían en clásicos del bebop, entre ellas “Bouncing with Bud”, “Wail” y “Dance of the Infidels”. Son grabaciones que permiten apreciar no solamente al formidable pianista, sino también a un compositor que ya dominaba plenamente el nuevo lenguaje y sabía cómo escribir para un pequeño conjunto. Dos años después encontramos a Powell completamente solo en “Parisian Thoroughfare”. Es una pieza breve, rápida y llena de movimiento, inspirada en el ambiente de París, una ciudad que ya ejercía una fuerte atracción sobre los músicos de jazz estadounidenses. Con el tiempo se convertiría en una de las composiciones más conocidas y características de Bud Powell. BUD POWELL BUD POWELL’S MODERNISTS - New York, August 8, 1949 - Bouncing with Bud, Wail, Dance of the Infidels - Fats Navarro (tp) Sonny Rollins (ts) Bud Powell (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d) ------------------- THE BUD POWELL TRIO La sesión del 1 de mayo de 1951, con Curly Russell en contrabajo y Max Roach en batería, produjo una de las composiciones más extraordinarias de Powell: ““Un Poco Loco””. La pieza incorpora un aire afrocubano, pero lo lleva a un terreno muy personal, con una estructura rítmica insistente sobre la cual Powell construye líneas angulares, desplazamientos y acentos inesperados. Las tres tomas muestran muy bien algo esencial en Powell: una composición podía ser al mismo tiempo una estructura cuidadosamente concebida y un punto de partida para la invención espontánea. THE BUD POWELL TRIO - New York, May 1, 1951 - Un poco loco - Bud Powell (p) Curly Russell (b) Max Roach (d) ------------------------------ “INNER FIRES: THE GENIUS OF BUD POWELL” Recoge una actuación del 5 de abril de 1953 en el Club Kavakos de Washington D.C.”, con Charles Mingus en contrabajo y Roy Haynes en batería. La grabación tiene especial interés porque permite escuchar a Powell fuera del ambiente controlado del estudio, frente al público y con una sección rítmica de enorme personalidad. “Inner Fires permite escuchar de cerca la intensidad, imaginación y espontaneidad que Bud Powell podía alcanzar en una noche de club”, y recuerda que su música adquiría una dimensión diferente cuando tenía libertad para extenderse frente a una audiencia. BUD POWELL TRIO INNER FIRES - THE GENIUS OF BUD POWELL - Live “Club Kavakos”, Washington, D.C., April 5, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Roy Haynes (d) ------------------ BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”, Jazz at Massey Hall, grabado en Toronto el 15 de mayo de 1953, reunió a cinco figuras fundamentales del bebop: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus y Max Roach. Pero además de la célebre actuación del quinteto, el concierto reservó un espacio importante para Powell al frente de su propio trío. Acompañado por Mingus y Roach, Powell se encontraba esa noche en excelente forma. Su interpretación es enérgica, clara y muy concentrada, con esa combinación de velocidad, precisión y sentido rítmico que había convertido su manera de tocar en una referencia para toda una generación de pianistas. Mingus y Roach, dos músicos de enorme personalidad, responden constantemente a sus ideas y le dan al trío una gran libertad. El repertorio combina standards con composiciones de Powell y permite escucharlo más allá del contexto del famoso encuentro entre Parker y Gillespie. Este segmento de Jazz at Massey Hall merece ser considerado por sí mismo: es un excelente retrato de Bud Powell y de su extraordinario dominio del formato de trío. BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”, Toronto, Canada, May 15, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Max Roach (d) ---------------------------------- TRIO AT BIRDLAND “GLASS ENCLOSURE” “Glass Enclosure”, grabada en 1953 con George Duvivier en contrabajo y Art Taylor en batería, es una de las composiciones más singulares de Bud Powell. A diferencia de muchas piezas de bebop, aquí no encontramos un tema seguido por una serie de improvisaciones. En poco más de dos minutos, la música pasa por varias secciones de carácter muy diferente. Hay momentos tensos e inquietos que repentinamente dan paso a otros más tranquilos y reflexivos, antes de volver nuevamente a esa sensación de inestabilidad. Duvivier y Taylor tampoco funcionan solamente como acompañantes: forman parte de esos continuos cambios de ambiente. “Glass Enclosure” muestra una faceta de Powell que a veces queda en segundo plano frente a su extraordinaria capacidad como pianista. Aquí sobresale especialmente el compositor, capaz de construir una pieza breve pero llena de contrastes, cambios inesperados y una permanente sensación de tensión. El título invita a relacionarla con las difíciles circunstancias de su vida, aunque no necesitamos convertirla en una descripción autobiográfica para apreciar la fuerza de la música. BUD POWELL TRIO BROADCAST “BIRDLAND”, New York, September 5, 1953 Glass Enclosure Bud Powell (p) George Duvivier (b) Art Taylor (d)V ------------------------ A PORTRAIT OF THELONIOUS En 1959 Bud Powell se instaló en París, donde encontró un ambiente más acogedor y comenzó a trabajar regularmente con dos excelentes músicos: el contrabajista francés Pierre Michelot y el baterista estadounidense Kenny Clarke. El trío llegó a ser anunciado como ““The Three Bosses””. Con ellos grabó en diciembre de 1961 A Portrait of Thelonious, un homenaje a Thelonious Monk, figura fundamental en la vida de Powell. Monk lo había apoyado desde muy joven, lo acercó a los músicos que estaban creando el bebop y mantuvo con él una relación de amistad y admiración mutua. Lo interesante del disco es que Powell no intenta tocar como Monk. Toma composiciones como “Ruby, My Dear”, “Off Minor” y “Monk’s Mood” y las lleva a su propio terreno. Las melodías y armonías tan características de Monk permanecen claramente reconocibles, pero Powell les imprime la fluidez, el impulso rítmico y las largas líneas melódicas propias de su manera de tocar. De alguna manera, A Portrait of Thelonious completa un círculo: aquel músico que había ayudado al joven Powell aparece ahora homenajeado por un pianista que ya había dejado su propia huella profunda en la historia del jazz. BUD POWELL TRIO A PORTRAIT OF THELONIOUS - Paris, France, December 17, 1961 - Off minor - Bud Powell (p) Pierre Michelot (b) Kenny Clarke (d) La vida de Bud Powell estuvo marcada por enormes dificultades, pero su lugar en la historia del jazz no depende de ellas. Lo verdaderamente importante es la música que dejó y la transformación que produjo en la manera de tocar el piano. Powell encontró una forma de trasladar al teclado la libertad melódica, la velocidad y la complejidad rítmica del bebop, y con ello abrió un camino que seguirían prácticamente todos los pianistas modernos. Desde los años cuarenta, su influencia puede escucharse en generaciones muy distintas, incluso entre músicos que desarrollaron lenguajes bastante alejados del suyo. Pero Powell fue mucho más que un virtuoso o un modelo para otros pianistas. Fue también un compositor original y un improvisador capaz de combinar una enorme intensidad con momentos de sorprendente delicadeza. Bud Powell no solamente fue uno de los grandes pianistas del bebop. Ayudó a definir lo que podía ser el piano en el jazz moderno. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 5 · 58 min

    Puro Jazz 04 e septiembre, 2026

    FAB TRIO TRANSFORMING THE SPACE - Rossie, NY, February 17 & 18, 2003 - Tales from da Bronx, Be out s’cool - Billy Bang (vln) Joe Fonda (b) Barry Altschul (d) “Transforming the Space” —Transformando el espacio— reúne a tres músicos de larga trayectoria en el jazz de vanguardia: el violinista Billy Bang, el contrabajista Joe Fonda y el baterista Barry Altschul. Grabado en febrero de 2003 para el sello CIMP, en Rossie, Nueva York, el disco presenta una formación poco habitual: violín, contrabajo y batería, sin piano ni instrumentos de viento, lo que deja mucho espacio para que los tres músicos interactúen. Cada uno aporta una personalidad muy definida. Billy Bang desarrolló un sonido inconfundible en el violín, lleno de energía, lirismo y con una fuerte conexión con el blues. Joe Fonda no se limita a sostener la música desde el contrabajo, sino que participa constantemente en la conversación. Y Barry Altschul, veterano de los grupos de Paul Bley, Anthony Braxton y Sam Rivers, utiliza la batería para impulsar la música, pero también para darle color y crear distintos ambientes. El resultado es una música libre, pero siempre atenta al trabajo de conjunto. Hay momentos de gran intensidad y otros más tranquilos, en los que los músicos se dan tiempo para escucharse y responder. El título, “Transforming the Space”, resulta muy apropiado: aquí, lo que ocurre entre una nota y otra es casi tan importante como las notas mismas. CHARLES TYLER VOYAGE FROM JERICHO - New York, July, 1974 - Voyage from Jericho (1), Return to the East - Earl Cross (tp) Charles Tyler (as,bar) Arthur Blythe (as-1) Ronnie Boykins (b) Steve Reid (d) El saxofonista Charles Tyler inició su carrera a mediados de los años sesenta jnto a Albert Ayler, participando en sus importantes grabaciones *Bells* y *Spirits*. Poco después inició su carrera como líder grabando *Charles Tyler Ensemble* y *Eastern Man Alone*, dos discos que mostraban una voz propia dentro del free jazz, aunque su obra quedó algo eclipsada por figuras como el propio Ayler y Ornette Coleman. En 1974 Tyler publicó *Voyage from Jericho* en su pequeño sello AK-BA Records, la limitada distribución impidió que el álbum tuviera mayor difusión, pero con el tiempo ha llegado a ser considerado uno de sus trabajos fundamentales. Aquí Tyler toca saxos alto y barítono y es acompañado por el trompetista Earl Cross, el contrabajista Ronnie Boykins, el baterista Steve Reid y, en dos temas, el saxofonista Arthur Blythe. La pieza que da título al álbum comienza con un tema de aire marcial y rápidamente aumenta la intensidad. El poderoso barítono de Tyler contrasta con el sonido más cortante y vibrante de Blythe. En “Return to the East”, Tyler vuelve al alto y aparece con un sonido más ligero y delicado. En todo el disco se percibe además su interés por sonoridades de inspiración oriental, dentro de una música libre, intensa y muy personal. EVAN PARKER & MATTHEW SHIPP REX, WRECKS & XXX, London October 22, 2013 - Rex 2, 3, Wrecks 2, Rex 6 - Evan Parker (st) Matthew Shipp (p) “Rex, Wrecks & XXX”, grabado en Londres en 2012, reúne al saxofonista británico Evan Parker y al pianista estadounidense Matthew Shipp, dos músicos con una larga experiencia en el terreno de la improvisación. Vienen de ambientes musicales bastante diferentes, y quizás por eso resulta tan interesante escucharlos juntos. El disco combina una sesión de estudio, con piezas relativamente breves, y una larga improvisación en vivo grabada en el Vortex de Londres. En ambos casos, lo más interesante es escuchar cómo Parker y Shipp reaccionan a lo que hace el otro. Aquí no hay realmente un solista y un acompañante: cualquiera de los dos puede proponer una idea y el otro recogerla, modificarla o llevarla en otra dirección. Shipp cambia constantemente de carácter, pasando de acordes fuertes y densos a líneas rápidas o momentos mucho más tranquilos. Parker responde con su lenguaje tan personal en el saxofón tenor, a veces entrecortado e imprevisible, pero también capaz de producir momentos de sorprendente calidez. En la improvisación en vivo disponen de más tiempo para desarrollar sus ideas. Hay momentos tranquilos y otros de gran intensidad, pero la música mantiene siempre el sentido de una conversación. En el fondo, eso es lo que escuchamos: dos músicos atentos el uno al otro, creando la música a medida que avanza. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 4 · 58 min

    Puro Jazz 03 de septiembre, 2026

    DUKE PEARSON SWEET HONEY BEE - Englewood Cliffs, NJ, December 7, 1966 - Sweet honey bee, After the rain (fh,jh out,1), Big Bertha - Freddie Hubbard (tp) James Spaulding (fl 1,as 2) Joe Henderson (ts) Duke Pearson (p,arr) Ron Carter (b) Mickey Roker (d) Duke Pearson llegó probablemente a la órbita de Blue Note a través de Donald Byrd, pero muy pronto su importancia para el sello fue mucho más allá del piano. En 1963 asumió funciones de productor, director musical y responsable de artistas y repertorio, participando en la elección de músicos, la concepción de nuevos proyectos y el trabajo directo en el estudio. Su criterio contribuyó de manera importante al sonido que Blue Note desarrolló durante los años sesenta, entre el hard bop, el postbop y el soul jazz. Como pianista y compositor, Pearson tenía algo de Horace Silver: una manera directa de tocar, sin excesos, y una especial facilidad para escribir melodías claras y memorables. Pero quizás su mayor talento estaba en saber cómo hacer funcionar un conjunto. Más que buscar protagonismo como solista, parecía interesado en encontrar el lugar preciso para cada músico. “Sweet Honey Bee” es un buen ejemplo. Pearson reunió a Freddie Hubbard, James Spaulding, Joe Henderson, Ron Carter y Mickey Roker para interpretar siete composiciones propias. Es un grupo formidable, pero Pearson evita convertir el disco en una sucesión de solos. Los arreglos son compactos, no todos improvisan en cada tema y las intervenciones permanecen ligadas al carácter de cada composición. Entre ellas sobresale “Big Bertha”, un tema en tonalidad menor, vigoroso y contagioso, que muestra especialmente bien la capacidad de Pearson para combinar sofisticación y sencillez. “Sweet Honey Bee” revela así buena parte de lo que hizo de Duke Pearson una figura tan valiosa para Blue Note: sabía escribir, organizar y, sobre todo, hacer que una banda sonara como una verdadera unidad. FABIÁN ALMAZÁN THIS LAND ABOUNDS WITH LIFE - New Orleans, LA, December 21 & 22, 2018 - H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups), The Vicarious Life, Bola de nieve (1) Sin Alma - Fabian Almazan (p,perc,electronics) Megan Gould, Monica Davis (vln1) Karen Waltuch (viola1) Eleanor Norton (cello1) Linda May Han Oh (b,elb) Henry Cole (d) En “This Land Abounds With Life”, “Esta Tierra Abunda En Vida”, el pianista y compositor cubano Fabián Almazán trabaja principalmente con el trío que mantiene desde comienzos de la década pasada: Linda May Han Oh en contrabajo y bajo eléctrico, y Henry Cole en batería. Almazán combina la improvisación con composiciones muy elaboradas, aunque esa complejidad rara vez se siente como un fin en sí mismo. Hay pasajes densos y de gran intensidad junto a otros abiertos y contemplativos, donde el silencio y el espacio adquieren tanta importancia como las notas. Además incorpora grabaciones de sonidos ambientales realizadas en Cuba y elementos electrónicos que se integran a la música como parte de su textura. No aparecen como efectos decorativos: ayudan a establecer una relación entre la música, la naturaleza y la memoria de su país de origen. En una de las piezas interviene un cuarteto de cuerdas, recordando la formación clásica de Almazán y su experiencia escribiendo para conjuntos más numerosos Pero el centro del álbum permanece en el diálogo entre piano, bajo y batería. EDDIE HENDERSON WITNESS TO HISTORY - New York, c. 2023 - It never entered my mind, Freedom jazz dance - Eddie Henderson (tp,flhrn) Donald Harrison (as) George Cables (p) Gerald Cannon (b) Lenny White (d) Mike Clark (d1) Cincuenta años después de colaborar en “Realization”, el primer álbum de Eddie Henderson como líder, el trompetista vuelve a encontrarse con el baterista Lenny White para recorrer una historia musical que ambos ayudaron a construir. Los acompañan George Cables en piano y teclados, Donald Harrison en saxofón y Gerald Cannon en contrabajo. A lo largo del disco aparecen el jazz eléctrico, el funk, el swing, las formas modales y la balada, tratados con la naturalidad de músicos que han transitado por todos esos lenguajes. “Freedom Jazz Dance”, de Eddie Harris, es uno de los momentos en que esa combinación de jazz y funk resulta especialmente efectiva. Pero el centro sigue siendo Henderson. Con 83 años conserva un sonido redondo y firme, junto a una manera de frasear que nunca necesita demostrar más de lo necesario. En las baladas, especialmente con sordina, aparece además el lado más íntimo de su trompeta. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 3 · 58 min

    Puro Jazz 02 de septiembre, 2026

    EMMET COHEN UNIVERSAL TRUTH - New York, October 5, 2025 - Well you needn’t (1,4), My funny Valentine (2,4), Blue Trane (1,2,3) - Emmet Cohen (p) Yasushi Nakamura (b) Joe Farnsworth (d) with Jeremy Pelt (tp1) George Coleman (ts2) Tivon Pennicott (ts3) Ron Carter (b4) Emmet Cohen, pianista, dedica buena parte de Universal Truth a una música que conoce profundamente: el jazz de Miles Davis y John Coltrane, pero sin plantearlo simplemente como un ejercicio de recreación. Junto al contrabajista Yasushi Nakamura y el baterista Joe Farnsworth, Cohen revisa ese repertorio desde la perspectiva de un trío contemporáneo, al que se incorporan varios invitados. Jeremy Pelt participa en una enérgica versión de “Well, You Needn’t”, de Thelonious Monk, mientras “Budo” recuerda a Bud Powell y “Gingerbread Boy” a Jimmy Heath. En “Blue Train”, de Coltrane, el saxo tenor de Tivon Pennicott se suma al de George Coleman, ampliando el sonido del grupo y ofreciendo dos aproximaciones distintas al blues. Uno de los momentos especialmente significativos llega con “My Funny Valentine”, que reúne a George Coleman y Ron Carter, integrantes del quinteto de Miles Davis durante los primeros años de la década de 1960. Su presencia establece un vínculo directo entre aquella generación y la de Cohen. Universal Truth se mueve así entre homenaje y continuidad. Cohen no intenta reproducir el pasado: utiliza ese repertorio como punto de partida para mostrar hasta qué punto sigue siendo una música abierta a nuevas interpretaciones. SKÚLI SVERRISSON / BILL FRISELL FOR ALL YOUR FLOWERS - New York, c. 2025 - Thank you for taking me there and back, Nowhere to go, Further down the road, Baby - Bill Frisell (el-g) Skuli Sverrisson (el-b) Bill Frisell aparece en tantos proyectos y contextos diferentes que resulta fácil pensar en él como la figura central de cualquier grabación en la que participa. For All Your Flowers invierte esa relación. Aquí el protagonista es el contrabajista y compositor islandés Skúli Sverrisson, autor de nueve de las diez piezas del álbum. Frisell aporta solamente una composición propia, “Baby”. Nacido en Reikiavik en 1966, Sverrisson estudió en Berklee antes de establecerse en Nueva York, donde desarrolló una extensa carrera vinculada tanto al jazz como a la música experimental. También ha trabajado como compositor para el cine islandés. El formato de For All Your Flowers es particularmente austero: bajo eléctrico y guitarra eléctrica, sin batería ni ningún otro instrumento que complete el espacio entre ambos. Sverrisson construye piezas breves, de carácter melódico, en las que pueden percibirse ciertas resonancias de la música folklórica. El bajo establece la estructura y con frecuencia lleva buena parte del movimiento de la música. Eso permite que Frisell actúe con extraordinaria libertad, agregando colores, pequeños comentarios y silencios sin imponerse sobre las composiciones. Es un diálogo íntimo entre dos músicos que parecen interesados, sobre todo, en cuánto puede decirse con muy pocos elementos. BENNY GOLSON AND THE PHILADELPHIANS - New York, November 17, 1958 - Blues on my mind, Stablemates, Afternoon in Paris - Lee Morgan (tp) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Percy Heath (b) Philly Joe Jones (d) Benny Golson reunió en 1958 para su disco Benny Golson and the Philadelphians a cuatro músicos con algo más en común que su pertenencia al mundo del hard bop: todos estaban estrechamente vinculados a Filadelfia. Junto al saxo tenor de Golson aparecen Lee Morgan en trompeta, Ray Bryant en piano, Percy Heath en contrabajo y Philly Joe Jones en batería. Era una formación excepcional. Cada uno de ellos desarrollaría una trayectoria propia de enorme importancia, pero aquí funcionan como un conjunto compacto, con esa combinación de precisión, energía y sentido del blues que caracterizó buena parte del jazz de esos años. El repertorio resulta igualmente familiar. Incluye “Stablemates” e “I Remember Clifford”, dos de las composiciones más conocidas de Golson; “Blues March”, otra pieza suya que se convertiría en parte importante del repertorio de los Jazz Messengers; y “Moanin’”, de Bobby Timmons, inseparable también de la historia de ese grupo. Escuchado tantos años después, el álbum permite apreciar una de las grandes virtudes de Benny Golson: su capacidad para reunir composición, arreglo e improvisación dentro de una misma concepción musical. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 2 · 58 min

    Puro Jazz 01 septiembre, 2026

    MUTT CAREY PORTRAIT OF A NEW ORLEANS MASTER - New York 1947 - Shim-me-sha-wabble, Slow drivin’ (pts 1,2), Ostrich walk , Cake walkin’ babies from home - Mutt Carey (tp) Jimmy Archey (tb) Albert Nicholas (cl) James P. Johnson (p) George Foster (b) Baby Dodds (d) Mutt Carey pertenece a la primera generación de músicos de Nueva Orleans, lamentablemente dejó pocas grabaciones que permitan documentar una carrera bastante extensa. En 1919 se trasladó a California para incorporarse a la banda de Kid Ory, con quien mantendría una larga relación musical. Cuando Ory dejó Los Ángeles en 1925, Carey quedó al frente del grupo, que más tarde presentó como los Liberty Syncopators y los Jeffersonians. Su estilo cambió poco con los años: una trompeta cercana a la melodía, de vibrato amplio y expresión directa, sin buscar el virtuosismo. Esa sencillez aparente tenía considerable fuerza y hacía de Carey, sobre todo, un músico de conjunto. En los años cuarenta volvió a tocar con Kid Ory durante el renacimiento del jazz tradicional, antes de formar nuevamente su propia banda en Los Ángeles. DON EWELL QUARTET YELLOW DOG BLUES - Chicago, August 21, 1959 - Michigan water blues, Atlanta blues, Blues my naughty sweetie gives to me (nt out) - Nappy Trottier (tp) Don Ewell (p) Marty Grosz (g) Earl Murphy (b) Don Ewell ocupa un lugar bastante particular en la historia del jazz. Nació en 1916, demasiado tarde para pertenecer a la primera generación de pianistas de stride, pero hizo suyo ese lenguaje precisamente cuando muchos músicos de su edad comenzaban a orientarse hacia el bebop. Ewell no aprendió esa tradición solamente escuchando discos antiguos. Tocó con músicos que habían participado directamente en los primeros años del jazz y adquirió así un conocimiento muy cercano de ese lenguaje. Una de sus asociaciones más importantes fue con Jack Teagarden, desde fines de los años cincuenta hasta comienzos de los sesenta. Ambos compartían algo esencial: una técnica extraordinaria que nunca necesitaban exhibir por sí misma. DON BYAS/BUD POWELL A TRIBUTE TO CANNONBALL - Paris 1961 - Cherokee, I remember Clifford - Idrees Sulieman (tp-1) El título A Tribute to Cannonball resulta algo engañoso. Cannonball Adderley no participa como músico ni se trata realmente de un homenaje: fue quien produjo la sesión y tuvo la excelente idea de reunir al veterano saxofonista Don Byas con el innovador pianista Bud Powell. La reunión es particularmente interesante porque acerca dos generaciones del jazz. Byas provenía de la era del swing, pero su lenguaje ya anticipaba muchos elementos del bebop. Powell, una de las figuras centrales del nuevo estilo, conservaba a su vez profundas raíces en el jazz de los años treinta. Esa relación se hace evidente en temas rápidos donde ambos se mueven con extraordinaria soltura. En el extremo opuesto está “I Remember Clifford”, que muestra el lado más lírico de la sesión. Completan el grupo Kenny Clarke en batería y Pierre Michelot en contrabajo, el trompetista Idrees Sulieman se incorpora en cuatro temas. Más que el encuentro entre dos estilos diferentes, esta grabación ilustra la continuidad que existe entre el swing y el bebop. TAFT JORDAN “AND THE MOB”, New York, February 21-22, 1935 - Night wind, If the moon turns green, Devil in the moon, Louisiana fairytale - Taft Jordan (tp) Ward Silloway (tb) Johnny Mince (cl) Elmer Williams (ts) Teddy Wilson (p) Bobby Johnson (g) John Kirby (b) Eddie Dougherty (d) Taft Jordan fue un trompetista profundamente influido por Louis Armstrong, aunque desarrolló una extensa carrera dentro de algunas de las principales orquestas de la era del swing. En 1933 se incorporó a la orquesta de Chick Webb, donde compartió con Bobby Stark el papel de principal solista de trompeta. Permaneció en el conjunto durante nueve años, incluyendo el período en que Ella Fitzgerald asumió su dirección tras la muerte de Webb. En 1943 pasó a la orquesta de Duke Ellington, con la que permaneció hasta 1947. Durante los años siguientes trabajó con menor regularidad, aunque reapareció en contextos muy diversos: realizó una gira con Benny Goodman y participó incluso en la grabación de “Sketches of Spain” de Miles Davis. Jordan grabó muy poco como líder. Su grabación de 1935, ofrece una oportunidad poco frecuente de escucharlo al frente de su propio conjunto, después de haberse establecido como una de las buenas trompetas de la era del swing. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • September 1 · 58 min

    Puro Jazz 31 de agosto, 2026

    “MILES” THE NEW MILES DAVIS QUINTET Miles Davis no se convirtió en una verdadera estrella del jazz hasta mediados de los años cincuenta. Había logrado superar su adicción a la heroína, recuperado la autoridad de su instrumento y vuelto a conquistar a críticos y público. Su voz, reducida a un áspero susurro después de una operación en la garganta, completaba una presencia que ya resultaba inconfundible. Miles comprendía, sin embargo, que para alcanzar a un público más amplio necesitaba el respaldo de un sello de mayor proyección. En 1955, después de su celebrada actuación en el Festival de Newport, Miles le interesó a George Avakian para su sello, él era el ejecutivo encargado del jazz en Columbia Records, pero Davis estaba sujeto a su contrato con Prestige. La solución tendría consecuencias extraordinarias: antes de incorporarse plenamente a Columbia debía entregar a Prestige varios álbumes. De esa obligación contractual surgiría una parte fundamental de la historia del jazz moderno. Las grabaciones fueron realizadas con rapidez, casi como una mera operación destinada a saldar una deuda. Al principio, Miles no se había dado cuenta de haber formado un conjunto extraordinario. La banda creció mientras grababa. Coltrane fue dejando atrás sus inseguridades y comenzó a encontrar una voz propia; Red Garland consolidó la elegancia y claridad de su estilo; Paul Chambers y Philly Joe Jones formaron una de las asociaciones rítmicas más poderosas del período. Miles, estimulado por el entorno que él mismo había creado, alcanzó una nueva seguridad y profundidad expresiva. Lo que comenzó como una solución práctica terminó convirtiéndose en un proceso de transformación colectiva. “Miles”, grabado para Prestige en noviembre de 1955, fue el primer álbum de Davis con John Coltrane y el nuevo quinteto. Años después, Miles recordaría: «La música que tocábamos juntos era sencillamente increíble. Era tan poderosa que por las noches me producía escalofríos, y al público le ocurría lo mismo». MILES DAVIS QUINTET MILES - Hackensack, NJ, November 16, 1955 - S’posin’, Stablemates, There is no greater love (jc out) - Miles Davis (tp) John Coltrane (ts) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d) Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz” te invito a suscribirte gratis aquí: “COOKIN’” - LA DESOLUCIÓN DEL NUEVO QUINTETO Cuando el quinteto se disolvió en la primavera de 1957, Miles, Coltrane, Garland, Chambers y Jones habían alcanzado una unidad excepcional. El conjunto no solo creció como formación: cada músico se benefició individualmente de la libertad y el estímulo que encontró en la banda. En “Cookin’”, Davis ofrece su primera versión grabada de “My Funny Valentine”, una interpretación emblemática con una apertura sensual para un álbum, que en el resto, se mueve en tempos más intensos. Coltrane presenta la melodía, pero es Red Garland quien prepara el ambiente mediante un sobrio juego de acordes repetidos, sostenido por la figura de dos notas de Paul Chambers. Sobre ese fondo aparecen las meditaciones de Miles con sordina: contenidas, íntimas y profundamente expresivas. MILES DAVIS QUINTET COOKIN’ WITH THE MILES DAVIS QUINTET - Hackensack, NJ, October 26, 1956 - My Funny Valentine, Blues by Five - Miles Davis (tp) John Coltrane (ts) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d) Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz” te invito a suscribirte gratis aquí: 58 SESSIONS: EL SEXTETO DE MILES DAVIS Aunque Miles había reunido una banda sobresaliente, ya comenzaba a sentirse insatisfecho con la densidad armónica de la música que tocaba. Buscaba una música capaz de permanecer armónicamente quieta sin volverse estática: menos acordes, mayor libertad melódica y, sobre todo, más espacio. Miles amplió el quinteto porque su música también se estaba expandiendo. Cannonball Adderley y John Coltrane aportaban dos voces muy distintas, pero que se complementaban a la perfección: Cannonball era cálido, expansivo y directo; Coltrane, más inquieto, intenso y explorador. Bill Evans aportaba el color armónico y el sentido del espacio necesarios para la nueva concepción modal. La transición también alcanzó a la batería: Philly Joe Jones todavía participó en algunas sesiones, antes de que Jimmy Cobb aportara al grupo una estabilidad rítmica diferente, menos explosiva, pero firme, flexible y extraordinariamente atenta. La formación no permaneció intacta durante mucho tiempo. Evans dejó el sexteto a fines de 1958 y Wynton Kelly ocupó su lugar, aunque Miles volvió a convocar a Evans para las sesiones de Kind of Blue en 1959. Ese álbum capturaría la convergencia en el momento preciso: cada músico poseía ya una voz demasiado definida —y ambiciones demasiado grandes— para que el grupo pudiera durar. Miles había reunido una formación excepcional, pero, como ocurriría tantas veces durante su carrera, comenzó a transformarla apenas alcanzó su plenitud. MILES DAVIS SEXTET 58 SESSIONS - New York, May 26, 1958 - On Green Dolphin Street, Fran-dance, Stella by starlight (ca out) - Miles Davis (tp) Cannonball Adderley (as) John Coltrane (ts) Bill Evans (p) Paul Chambers (b) Jimmy Cobb (d) Esta publicación es de acceso abierto. Te agradezco que la compartas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • August 29 · 58 min

    Puro Jazz 28 de agosto, 2026

    NELS CLINE CONSENTRIK QUARTET - Brooklyn, NY, February 13, 14 & July 27, 2024 - The returning angel, The 23, Surplus - Ingrid Laubrock (ts,sop) Nels Cline (g) Chris Lightcap (b) Tom Rainey (d) Nels Cline es conocido por la amplitud de un lenguaje que se mueve con naturalidad entre el jazz, la improvisación libre y el rock. En “Consentrik Quartet”, el guitarrista y compositor presenta un nuevo conjunto junto a tres músicos de amplia trayectoria en la escena creativa de Nueva York: Ingrid Laubrock en saxofón, Chris Lightcap en contrabajo y Tom Rainey en batería. Las composiciones de Cline, algunas surgidas durante los años de la pandemia, funcionan sobre todo como puntos de partida para la interacción. La música puede pasar de pasajes abiertos y casi abstractos a estructuras rítmicas muy definidas, sin que esas transiciones parezcan forzadas. “The Returning Angel”, por ejemplo, comienza sin un pulso establecido, entre los arpegios de Cline, la batería de Rainey y las líneas contenidas de Laubrock. Poco a poco aparece una estructura más clara, que conduce a “The 23”. Allí, un insistente motivo del bajo de Lightcap sostiene una improvisación colectiva mucho más rítmica. Es una buena muestra del carácter del álbum. Cline incorpora elementos del jazz, el rock y el blues, pero evita imponer su guitarra como voz dominante. “Consentrik Quartet” funciona realmente como un conjunto de cuatro músicos que escuchan, responden y dejan que la música encuentre su propio rumbo. MARILYN CRISPELL, ANDERS JORMIN MEMENTO - Lugano, Switzerland, July, 2025 - For the children, Three shades of a house morning, Three shades of a house evening, Memento, Dragonfly - Marilyn Crispell (p) Anders Jormin (b) La pianista Marilyn Crispell y el contrabajista Anders Jormin mantienen desde hace años una estrecha relación con el sello ECM, aunque sus trayectorias han recorrido territorios muy diversos de la improvisación contemporánea. En “Memento” se encuentran en un formato particularmente íntimo: solamente piano y contrabajo. El título ofrece una clave para acercarse al disco. “Memento” deriva del latín y significa “recuerda”, y la música parece girar precisamente alrededor de la memoria, la ausencia y el paso del tiempo. Durante sus 38 minutos, Crispell y Jormin trabajan con composiciones e improvisaciones de carácter principalmente modal, en las que el silencio y el espacio tienen tanta importancia como las notas. No se trata de un diálogo convencional entre solista y acompañante. Jormin puede establecer una dirección melódica que Crispell prolonga o modifica; en otros momentos es el piano el que abre un espacio al que responde el contrabajo. La música permanece contenida, moviéndose entre momentos de gran claridad y otros más abstractos. La referencia a la memoria adquiere un significado especialmente personal al final. Crispell cierra el álbum sola con “Dragonfly”, una breve pieza dedicada a Gary Peacock, contrabajista fallecido en 2020 y uno de sus colaboradores más cercanos durante muchos años. PETER EVANS, MIKE PRIDE A WINDOW, BASICALLY - Goshen, NY, c. 2025 - Substance X, T, Q, P - Peter Evans (t/Piccolo t) Mike Pride drumset, percussion, autoharp El trompetista Peter Evans y el baterista Mike Pride se encuentran aquí en uno de los formatos más expuestos de la improvisación: un dúo sin armonía ni estructura rítmica predeterminada, en el que cada sonido puede modificar inmediatamente la dirección de la música. Las siete piezas del álbum llevan el mismo título, “Substance”, y se distinguen solamente por su número. Más que composiciones independientes, pueden escucharse como distintos episodios de una conversación que se desarrolla a lo largo del disco. Una característica importante de esta música es el espacio. Hay momentos en que podemos distinguir con particular claridad los diferentes componentes de la batería de Pride, la resonancia de la trompeta de Evans y hasta la sensación física de dos músicos tocando juntos en una habitación. El silencio no interrumpe la improvisación: forma parte de ella. Evans utiliza su extraordinario dominio técnico para modificar ataques, timbres y registros, pero la técnica está puesta al servicio del desarrollo musical. Pride, por su parte, no se limita a acompañarlo. Sus intervenciones pueden responder, contradecir o abrir una nueva dirección. “Substance” documenta así un encuentro entre dos improvisadores que no necesitan llenar cada espacio, pero tampoco rehúyen la intensidad cuando la música los lleva hacia ella. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

  • August 28 · 58 min

    Puro Jazz 27 de agosto, 2026

    HERBIE HANCOCK “My Point of View”, segundo álbum de Herbie Hancock para Blue Note, muestra la amplitud que ya distinguía al pianista y compositor. Hancock escribió todas las piezas, pero evitó someterlas a un estilo único: cada una plantea un carácter diferente. Esa variedad explica la formación poco habitual que reunió para interpretar el material. Donald Byrd, Hank Mobley y Grant Green eran figuras conocidas. Grachan Moncur III había comenzado a llamar la atención junto al Jazztet de Art Farmer y Benny Golson, y posteriormente con Jackie McLean. Aunque su lenguaje partía de la influencia de J. J. Johnson, su solo en “King Cobra” revelaba una voz cada vez más personal. El contrabajista Chuck Israels, integrante habitual del trío de Bill Evans desde 1961, aportaba firmeza sin imponerse, además de una sensibilidad y una capacidad de escucha particularmente refinadas. La gran revelación fue Tony Williams. Con apenas 17 años, el baterista exhibía una seguridad y una inteligencia musical extraordinarias para su edad. Hancock observaba que casi todos los participantes eran también compositores, cualidad que les permitía comprender desde dentro sus ideas y responder con flexibilidad a una música que, más que afirmar una dirección única, abría varias posibilidades. HERBIE HANCOCK MY POINT OF VIEW - Englewood Cliffs, NJ, March 19, 1963 - Blind man, blind man (1,2), King Cobra (1) - Donald Byrd (tp) Grachan Moncur, III (tb1) Hank Mobley (ts) Herbie Hancock (p) Grant Green (g2) Chuck Israels (b) Tony Williams (d) Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz” te invito a suscribirte gratis aquí: CANNONBALL ADDERLEY & MILT JACKSON Grabado en 1958, “Things Are Getting Better” reunió a Cannonball Adderley y Milt Jackson, dos músicos que compartían una profunda afinidad con el blues, pero también la agilidad necesaria para abordar el bebop. El sonido exuberante y enérgico del saxofón alto de Adderley encuentra un complemento natural en el fraseo fluido y elegante del vibráfono de Jackson. Aunque el álbum apareció bajo el nombre de Adderley, Jackson ocupa un lugar igualmente destacado. El repertorio ofrece distintos ángulos de esa relación. En la composición que da título al disco, ambos exhiben su dominio del lenguaje del blues. “Groovin’ High”, de Dizzy Gillespie, es interpretada a un tempo más moderado que el original de 1945, permitiendo apreciar con especial claridad la precisión y el conocimiento del idioma bebop que comparten. La sesión cuenta además con una sección rítmica excepcional: Wynton Kelly al piano, Percy Heath en contrabajo y Art Blakey en batería. Kelly sobresale por su acompañamiento flexible y su impulso rítmico, mientras Heath y Blakey sostienen una música directa, relajada y llena de swing. CANNONBALL ADDERLEY & MILT JACKSON THINGS ARE GETTING BETTER - New York, October 28, 1958 - Things are getting better, Groovin’ high,The sidewalks of New York - Cannonball Adderley (as) Milt Jackson (vib) Wynton Kelly (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d) CARMELL JONES Nacido y formado en Kansas, Carmell Jones, trompetista, se trasladó a Los Ángeles donde trabajó en estudios de grabación y se convirtió en una de las figuras más prometedoras del jazz de la Costa Oeste a comienzos de los años sesenta. Su participación más conocida llegaría junto a Horace Silver, en la grabación de “Song for My Father”. Los críticos reconocieron en Jones la influencia de Clifford Brown. Como él, poseía un sonido cálido y poderoso, además de una técnica brillante que nunca se imponía sobre la creatividad, el sentido musical o la natural modestia del intérprete. En este álbum ofrece una sólida sesión de bop, enriquecida por la presencia de Harold Land, cuyo saxofón tenor aporta su habitual intensidad y un contraste estimulante con la trompeta. También destaca un joven Gary Peacock, contrabajista que posteriormente desarrollaría una extensa carrera y alcanzaría especial reconocimiento por su larga colaboración con Keith Jarrett y Jack DeJohnette. En pleno ascenso, Jones se trasladó a Alemania, donde permaneció durante quince años. Allí trabajó con la Radio Libre de Berlín y participó en festivales junto a músicos como Pony Poindexter, Oliver Nelson y JeanLuc Ponty. Regresó a Estados Unidos en 1980, pero encontró una escena distinta y fue desapareciendo de la atención pública, sin alcanzar plenamente el reconocimiento que su talento parecía anunciar. CARMELL JONES THE REMARKABLE CARMELL JONES, Los Angeles, June, 1961 - Night tide, Sad march, Stellisa - Carmell Jones (t) Harold Land (ts) Frank Strazzeri (p) Gary Peacock (b) Leon Pettis (d) Esta publicación es de acceso abierto. Te agradezco que la compartas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

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